Im 20. Jahrhundert steht Elisabeth Frink (1930–1993) an der Spitze der figürlichen Bildhauer Englands. Ihr Œuvre genießt eine große Popularität in ihrem Heimatland, für das europäische Festland bleibt sie dagegen eine völlig neu zu entdeckende Künstlerpersönlichkeit. Dies wird nun nachgeholt, nicht nur weil sich in ihren Plastiken viele Bezüge zur europäischen Kunstgeschichte finden lassen, sondern auch wegen der hohen Qualität ihres Werks.

Die Ausstellung konzentriert sich auf ihre Darstellungen von Männern, die sie mit körperlicher Attraktivität verband, aber gleichzeitig auch als Träger einer von Macht gesteuerten, brutalen und zerstörerischen Kraft betrachtete. Die zeitpolitischen Geschehnisse der Kriegs- und Nachkriegszeit, deren Zeuge Frink war, gaben ihr dafür Impulse. Ihre Skulpturen besitzen Wucht und eine enorme Präsenz im Raum. Um diese Wirkung zu erreichen, setzte sie gezielt Masse, Volumen, plastische Kontraste und die Figur ein. Eine Kooperation mit dem Museum Beelden an Zee in Den Haag .

oben: Elisabeth Frink, Tribute III (vorne), 1975, Bronze, Elisabeth Frinks Enkel; Elisabeth Frink, Tribute I (hinten), 1975, Bronze, Privatsammlung

links: Elisabeth Frink, Riace II (links), 1986, Bronze bemalt, dem Yorkshire Sculpture Park auf Wunsch von Lin Jammet, dem verstorbenen Sohn der Künstlerin, gestiftet; Elisabeth Frink, Riace III (rechts), 1988, Bronze bemalt, dem Yorkshire Sculpture Park auf Wunsch von Lin Jammet, dem verstorbenen Sohn der Künstlerin, als Leihgabe zur Verfügung gestellt

rechts: Elisabeth Frink, Seated Man II, 1986, Bronze bemalt, dem Yorkshire Sculpture Park auf Wunsch von Lin Jammet, dem verstorbenen Sohn der Künstlerin, gestiftet; Elisabeth Frink, Large Dog, 1986, Bronze, Freundliche Leihgabe von Dorset County, Hospital Charity; Elisabeth Frink, Running Man, 1986, Bronze, Victoria Gallery & Museum, University of Liverpool

© VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Manchmal scheint es, als wäre die Bildhauerei eine Kunstform »zwischen den Stühlen«. Sie ist geformtes Objekt und Bild zugleich und von Werk zu Werk verschieben sich die Verhältnisse. Wann wird zum Beispiel Design zu Bildhauerei? Wenn es unbrauchbar wird, oder kommen andere Aspekte ins Spiel? Stefan Tümpel (geb. 1945) schuf Entwürfe für Stühle, auf denen man nicht sitzen kann, aber sie zeigen, dass diese Stühle ganz andere Botschaften in sich tragen. Sie agieren im Raum und daraus entwickelte Tümpel sogenannte »Ikonen« mit eigenwilligem Charakter. Es entsteht eine Art Körpersprache der Stühle, die Assoziationen zu menschlichen Erfahrungen in der Kommunikation und im Miteinander erzeugen. Seine Stühle stehen oftmals für eine unbequeme, unangenehme und unsichere Situation, wie zum Beispiel während der Finanzkrise oder heute in der Corona-Pandemie.

oben: Stefan Tümpel, Aufstellung der Protagonisten, 2015, Eiche graphit (geölt), Stahl mit Walzhaut

links: Stefan Tümpel, Zwei Positionen, 2019, Eiche graphit (geölt), Stahl mit Walzhaut

rechts: Stefan Tümpel, Hamsterrad, 2019, Eiche graphit (geölt), Stahl mit Walzhaut

© VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Der Pavillon des Gerhard-Marcks-Hauses wird sich in einen Denkraum zur Architektur verwandeln. Dazu haben die Künstlerinnen Suse Itzel (geb. 1984) und Gesa Lange (geb. 1972) eine Rauminstallation geschaffen, deren Wandflächen und Bauteile ein neues Raumgefüge schaffen. Ausgehend von Raumvolumen und Innenform des Gebäudes werden die beiden eine Stahlkonstruktion als Raum im Raum bauen. Die Struktur der Decke, die aus den zwei ineinander geschobenen Dächern des Pavillons entsteht, und die unregelmäßige Anordnung seiner Fenster werden – in verkleinertem Maßstab – in das Stahlgerüst übertragen. Die Konstruktion ist architektonischer Einbau, Objekt und Raumzeichnung zugleich. Die Kanten des realen Pavilloninnenraums werden durch dunkle Linien betont und verstärken den Eindruck einer räumlichen, mehrdimensionalen Zeichnung.

oben: Suse Itzel, Gesa Lange, Tela Pattern, Nr. 1, 2020, Filzstift auf Transparentpapier, (Ausschnitt)

unten: Suse Itzel und Gesa Lange, Tela, 2020, Stahl

2021 wird 1700 Jahre jüdisches Leben in Deutschland begangen. Verschiedene Projekte thematisieren die Geschichte des Zusammenlebens bis in die Gegenwart hinein.

Diese Werkgruppe von Joseph Sassoon Semah (geb. 1948) beschäftigt sich mit dem Dichter Paul Celan (1920–1970), für den die deutsche Sprache Mutter- und Mördersprache zugleich war. Im Zentrum steht sein berühmtes Gespräch mit dem Philosophen Martin Heidegger (1889–1976) im Juli 1967. Das Treffen fand in der Hütte Heideggers in Todtnauberg (Schwarzwald) statt. Es begegneten sich dort zwei Menschen, die die Arbeit des anderen jeweils bewunderten. Und es traf ein Überlebender des Holocaust auf einen frühen Befürworter des Nationalsozialismus. Semah fragt, worüber (nicht) gesprochen wurde. Die Frage ist umso interessanter, wenn man weiß, dass sich Dichter und Philosoph mit den Grenzen der Sprache beschäftigten und – davon gehen alle Rekonstruktionen des Treffens aus – auch keine Form fanden, wirklich miteinander zu kommunizieren.

In Semahs Arbeit hat das Motiv »Gespräch« eine zentrale Bedeutung. Er verbindet verschiedene Bildquellen und konfrontiert die Betrachter mit ihrem jeweils selektiven Wissen. Nicht um sie zu frustrieren, sondern um Neugier für andere Perspektiven zu wecken. Wer die Geschichte des Holocaust kennt, wird Motive erkennen. Das Gleiche gilt für die jüdische Tradition, die Biografie Heideggers oder die Gedichte Celans.

Die Gemälde verbinden zwei Perspektiven miteinander, etwa die Idylle des Skigebiets im Schwarzwald mit einem Vernichtungslager. Die Zeichnungen beziehen sich dagegen direkt auf das Werk von Celan (sein berühmtes Gedicht »Todesfuge«) und in ihnen überlagern sich die Bilder. Die Eisenform auf dem Tisch entspricht einer Baracke in Auschwitz, die unter dem Tisch wiederum Heideggers Hütte. Im Gips um den Gehstock befindet sich das Gesamtwerk von Celan. Für den Inhalt der 36 Gläser wurde es verbrannt.

oben: Blick in die Ausstellung: "Auf der Suche nach der Hütte Heideggers und den Wolken von Celan", Werkgruppe von Joseph Sassoon Semah

links: Joseph Sassoon Semah, After Paul Celan, Tango and Fugue: This, however, brings us GaV Le-Gav (Back to Back) with the artist’s promise, 2009

rechts: Blick in die Ausstellung: "Auf der Suche nach der Hütte Heideggers und den Wolken von Celan", Werkgruppe von Joseph Sassoon Semah

© VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Ab Mai widmen sich die GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst, das Gerhard-Marcks-Haus, das kek Kindermuseum, das Künstlerhaus Bremen, die Kunsthalle Bremen, der Kunstverein Bremerhaven, das Paula Modersohn-Becker Museum, die Städtische Galerie Bremen, die Weserburg Museum für moderne Kunst und das dort beheimatete Zentrum für Künstlerpublikationen dem Thema Geruch in der Kunst. Kern des Projektes sind zehn individuelle Ausstellungen, eine wissenschaftliche Vortragsreihe sowie ein gemeinsames Begleitprogramm im Zeitraum vom 08. Mai bis 31. Juli 2021.

Der Geruchsinn ist der ursprünglichste aller Sinne und wird ohne Filterung des Gehirns direkt im limbischen System aufgenommen. Dort wird er mit Emotionen sowie in besonderem Maße auch mit Erinnerungen verknüpft, triggert unser implizites Gedächtnis und kann blitzschnell Empfindungen oder Gemütszustände hervorrufen. In Smell it! werden die vielfältigen Aspekte des Geruchssinns als Mittel der menschlichen Welterschließung in olfaktorisch geprägter Kunst dargestellt. Mit Geruch arbeitende zeitgenössische Künstler*innen werden eingeladen, ihre Positionen zum Thema unter individuellen Voraussetzungen umzusetzen oder bestehende Sammlungen nach geruchlichen Aspekten zu befragen.

Gerhard-Marcks-Haus Kornelia Hoffmann – »scent rubbing« (08.05. – 18.07.2021)

Durch Beobachtung, eigene Sinnesempfindungen und Experimente erforscht die Künstlerin Kornelia Hoffmann seit Jahren die sie umgebende Welt – vom kleinsten Teilchen bis hin zum Universum. Dabei interessieren sie die Zusammenhänge wissenschaftlicher Forschung und deren ästhetische Erscheinungsformen im jeweils umgebenden Raum. Eine raumgreifende Installation im Gerhard-Marcks-Haus, welche über den Köpfen von Besucher*innen wächst, verströmt durch Moose, Flechten und Pilze den »Duft der Erde«. Bei Berührung entstehen allerdings neue Gerüche, wodurch der Widerspruch zwischen Gesehenem und Gerochenem bewusst irritiert.

• Save the Date: virtuelle Pressekonferenz am Donnerstag, den 06. Mai um 11:00 Uhr (Akkreditierung unter: presse@smellit.eu)
• Pressemitteilung mit genaueren Informationen zum Projekt und zu allen zehn Ausstellungen. Im Presseportal von Smell it! können Sie druckfähige Abbildungen für Ihre Berichterstattung sowie die Pressemitteilungen zu den einzelnen Ausstellungen herunterladen: https://www.museeninbremen.de/smellit/smellit-presse

oben: Gemeinschaftsprojekt „Smell it! Geruch in der Kunst“

unten: Kornelia Hoffmann, Vorstudie zu „scent rubbing“ #06, 2021, Collage, VG Bild-Kunst, Bonn 2021